A Evolução do Ornamento - Ep 05 - Arts and Crafts: quando o ornamento quase se perdeu

No final do século XIX, a Revolução Industrial havia acelerado o tempo, centralizado a produção e transformado o cotidiano em engrenagem.

Objetos antes feitos com intenção e expressão passaram a ser fabricados em massa, de forma padronizada e sem conexão com quem os fazia. O artesanato perdeu espaço para o mecanizado, e o ornamento foi sendo reduzido a enfeite aplicado automaticamente. Até mesmo os florais e arabescos herdados do Romantismo, agora reproduzidos em catálogos industriais, começaram a parecer genéricos e cafonas. O que antes era linguagem virou clichê e perdeu valor para quem queria usar o ornamento como instrumento de pertencimento.

Foi nesse contexto que William Morris decidiu agir. E podemos dizer, sem exagero, que ele salvou o ornamento de um fim brega e superficial.

Nascido em 1834, no interior da Inglaterra, Morris cresceu cercado por natureza e livros. Vinha de uma família abastada, estudou na Universidade de Oxford e se encantou com a arte gótica, a literatura medieval e as ideias socialistas em ascensão. Acreditava que a arte não deveria estar confinada a museus ou às elites, mas integrada ao cotidiano com beleza, função e intenção.

Mais do que resgatar o valor do feito à mão, Morris estava profundamente incomodado com a forma como a industrialização estava esvaziando o conceito do ornamento. Para ele, o ornamento não era apenas um enfeite visual, mas uma linguagem carregada de cultura, significado e emoção. Ao ser aplicado mecanicamente e sem critério, ele deixava de comunicar para apenas preencher.

Seu incômodo vinha de observar:

• O trabalho manual sendo desvalorizado;

• O artesão perdendo autoria e sendo deslocado para tarefas fragmentadas e sem expressão criativa;

• A beleza se tornando privilégio de quem podia pagar por arte;

• O objeto cotidiano sendo reduzido à mera funcionalidade;

• O ornamento perdendo intenção simbólica e sendo aplicado mecanicamente de forma genérica e cafona.

  
  

Diante disso, William propôs um novo modelo de criação. Em 1861 fundou a Morris & Co., ateliê que unia artistas e artesãos para produzir objetos funcionais, belos e feitos com técnicas tradicionais. Seus produtos incluíam tecidos, papéis de parede, livros, vitrais e móveis — todos criados com rigor artesanal. Morris desenhava os padrões, esculpia os blocos de impressão e supervisionava cada etapa.

Ele acreditava que:

• O objeto deve ser ao mesmo tempo útil e belo;

• O artesão precisa participar do processo criativo e colocar traços do seu olhar, das suas escolhas e das suas emoções no que produziu;

• Fazer algo com as próprias mãos é uma forma de afirmar quem se é e de se conectar com o que se cria;

• A arte deve fazer parte da vida cotidiana.

  
  

Seu sonho era que a arte não fosse algo distante ou luxuoso, mas uma experiência comum e acessível. Na prática, isso se revelou um desafio: a produção artesanal era cara e lenta. Os produtos da Morris & Co. acabaram sendo consumidos por uma elite progressista, e não pelo povo como ele desejava. Morris morreu sem ver seu modelo se tornar popular.

Ainda assim, seu legado é imenso. Ele estruturou o que podemos chamar do primeiro estúdio moderno de design — colaborativo, multidisciplinar e guiado por princípios éticos. Definiu o design como integração entre forma, função e significado, conceito que perdura até hoje.

A estética do Arts and Crafts, resultado natural desse pensamento, valorizava a natureza, a arte medieval, os ritmos orgânicos e os detalhes feitos com intenção. Cada padrão era pensado com intencionalidade: os motivos florais e vegetais escolhidos por Morris remetiam à natureza viva, ao ritmo orgânico da vida e à conexão entre o humano e o natural. Os desenhos eram feitos à mão, com composições assimétricas e dinâmicas, rejeitando a repetição mecânica. Cada curva carregava um gesto. Cada repetição contava uma história. A estampa se tornava, assim, uma forma de expressar valores, ideias e resistências culturais.

William Morris não foi apenas um idealista. Foi um realizador — e a fundação da Morris & Co. foi a prova concreta de que seu sonho podia sair do papel e ganhar forma, cor e função no mundo real. E se hoje falamos de design com propósito, é porque ele um dia se recusou a aceitar a superficialidade como destino.

O Arts and Crafts não venceu a indústria, mas moldou o pensamento que nos guia até hoje. E por isso, se você cria, imprime, estampa ou pensa com intenção, você também está agradecendo a ele.

A Evolução do Ornamento - Ep 04 -Romantismo: a era do ornamento fake

Este texto faz parte da série A Evolução do Ornamento, em que investigo como diferentes movimentos estéticos, culturais e simbólicos moldaram nossa relação com o gesto de ornamentar — da arquitetura à estamparia, da arte à moda.

No episódio 04, o foco é o Romantismo, o estilo que a burguesia do século XIX adotou para criar ancestralidade e parecer mais antiga do que realmente era. Parece estranho? Vem comigo que tudo vai fazer sentido até o fim do post.

O Royal Pavilion, em Brighton, é um dos maiores símbolos da fantasia visual burguesa do século XIX: mistura de estilos, exagero ornamental e uma estética feita para parecer ancestral, mesmo sendo pura encenação.

O movimento estético nasceu como uma resposta emocional a um mundo em profunda transformação. No início do século XIX, a Europa ainda lidava com as consequências da Revolução Francesa — que havia derrubado a monarquia e espalhado ideais de igualdade e liberdade — e com a ascensão relâmpago de Napoleão Bonaparte. Ao assumir o poder e se coroar imperador, Napoleão implantou uma nova lógica de governo: centralizada, moderna e baseada no mérito. Ele substituiu o privilégio hereditário por uma estrutura mais racional e burocrática, abrindo espaço para que a burguesia — antes excluída do poder — pudesse ascender. Seu império expandiu essas reformas por toda a Europa, abalando a velha ordem aristocrática. Quando Napoleão foi derrotado, em 1815, os reis voltaram ao trono com o Congresso de Viena, tentando restaurar o mundo de antes.

A gravura de Jean-Baptiste Isabey retrata o Congresso de Viena (1815), onde monarcas e diplomatas tentaram restaurar a ordem do Antigo Regime — como se a Revolução Francesa e Napoleão não tivessem virado tudo do avesso. Foi o último grande ato de pose da velha aristocracia.

Mas a Europa já não era a mesma. A burguesia, enriquecida com o comércio e a indústria, agora tinha acesso à educação, cargos públicos e influência política — enquanto a aristocracia, acostumada a privilégios de sangue, via sua autoridade esvaziar. O prestígio não era mais automático: precisava ser comunicado, performado, encenado. Entre o desejo de liberdade e os resgates autoritários, entre a modernidade e o apego à tradição, o sentimento era de instabilidade. E foi nesse clima ambíguo que o ornamento voltou com força — não só como expressão de emoção, mas como ferramenta estratégica para construir uma imagem de tradição que, muitas vezes, não existia.

Enquanto o Neoclassicismo buscava na ordem greco-romana um modelo de estabilidade racional, o Romantismo mergulhou na fantasia do passado como uma forma de fabricar tradição. Gótico medieval, arte islâmica, folclore europeu, culturas orientais e africanas foram resgatados, não com rigor histórico, mas com olhos cenográficos e industriais. Essa mistura intencional — muitas vezes descontextualizada — deu origem ao revivalismo: uma encenação estética do antigo, usada para comunicar prestígio e inventar raízes visuais para uma classe social que ainda buscava legitimidade.

Na arquitetura, isso se traduziu em construções que resgatavam formas do passado com dramaticidade. Fachadas góticas, vitrais coloridos, estruturas inspiradas em castelos medievais, colunas e arcadas com apelo cenográfico se espalharam pela Europa. Um dos casos mais simbólicos é o Palácio de Westminster, em Londres — reconstruído no século XIX com aparência medieval para reforçar, paradoxalmente, a tradição de uma nação que já era tradicional. Era pura cenografia política, quase como um castelo da Disney, mas com intenções institucionais muito sérias.

A Abadia de Westminster é um dos ícones da arquitetura revivalista do século XIX. Sua aparência medieval não é uma relíquia do passado, mas uma construção simbólica de tradição — como o próprio Palácio de Westminster, feito para parecer antigo e reforçar uma herança que já era encenada.

O Royal Pavilion, construído no início do século XIX, é um dos maiores exemplos do revivalismo estético romântico: mistura de estilos orientais, islâmicos e góticos para criar uma arquitetura teatral, exótica e totalmente cenográfica — feita sob medida para a nova elite britânica performar prestígio.

O Palácio da Pena, em Portugal, é uma das expressões mais vibrantes do revivalismo romântico: mistura de estilos gótico, mouro, manuelino e renascentista, tudo junto e bem colorido — como se o passado tivesse sido pintado com filtros de Instagram. Um castelo feito para encantar… e encenar.

Nos interiores, a teatralidade continuava: arabescos, tecidos pesados, papéis de parede com cenas pastorais e florais exuberantes enchiam os ambientes de nostalgia e afeto — ainda que estilizados com o exagero de quem quer muito parecer legítimo.

A Maison de Victor Hugo, em Paris — onde o próprio escritor projetou uma cenografia afetiva com móveis esculpidos, tapeçarias densas, papel de parede exuberante e uma explosão de referências orientais. Um exemplo íntimo da teatralidade burguesa do século XIX.

O The George Inn, na Inglaterra, mostra como a estética romântica sobreviveu ao século XIX: madeira escura, tapeçarias densas, iluminação suave, um toque de nostalgia e o conforto visual de um passado encenado — agora naturalizado. Porque às vezes a tradição é só o que parece familiar.

O ápice do teatro burguês em forma de decoração. Cada cômodo do Royal Pavilion é uma fantasia cenográfica: lustres em forma de flor de lótus, paredes rosa com dragões dourados, jantares sob abóbadas pintadas, móveis europeus com estética chinesa. Uma colagem orientalista e emocional — feita sob medida para uma elite que queria parecer sofisticada, antiga e cosmopolita. Tudo ao mesmo tempo.

Durante o século XIX, o mobiliário se tornou um verdadeiro palco de experimentações históricas. Era o tempo dos revivals: o gótico ressurgia com ogivas e entalhes dramáticos, o rococó voltava em curvas e dourados, o neoclássico impunha sua simetria — e até referências orientais ganhavam espaço. Essa mistura exuberante refletia não só o gosto pela ornamentação, mas também o espírito romântico de busca por identidade, memória e grandeza. Era o passado reinventado como espetáculo visual.

Na arte, nomes como Caspar David Friedrich se tornaram referências. Suas paisagens nebulosas, com figuras solitárias diante da natureza sublime, sintetizam o espírito introspectivo do Romantismo. Já Eugène Delacroix traduzia esse sentimento em cenas históricas intensas, com cores vivas e composições dramáticas. Era a estética da emoção, da saudade, do sublime.

Caspar David Friedrich é o mestre da introspecção visual: nesta obra, o vazio das ruínas góticas contrasta com a beleza melancólica do pôr do sol — um convite ao sentimento, à dúvida, ao sublime que habita entre o que foi e o que se sente.

Na estamparia, esse imaginário se tornou superfície. Graças a avanços como a impressão a cilindro e o block printing industrial, as estampas ganharam escala e sofisticação. Indústrias têxteis e de papel de parede reproduziam arabescos, florais rebuscados, cenas medievais, elementos islâmicos e heráldicas — símbolos de brasões e nobreza medieval. As cores se sobrepunham, os pigmentos ficavam mais ricos. A estampa não era só ornamento: era narrativa visual, era memória impressa.

Uma releitura romântica do rococó francês, com arabescos e curvas delicadas. É um exemplo claro de como o romantismo do século XIX revalorizou estéticas do passado como estratégia emocional e ornamental.

Toile de Jouy – “Le dessin écaille ou Scènes antiques”, c. 1802 - Oberkampf Factory, Jouy-en-Josas, França. A clássica toile de Jouy com cenas bucólicas e figuras da Antiguidade impressas por chapa de cobre. Romantismo e neoclassicismo se entrelaçam nessa narrativa estampada que habita tanto o imaginário quanto o mobiliário da época.

Os motivos florais em rosa e vinho evocam o romantismo doméstico e feminino do século XIX. A estampa transmite delicadeza, amor romântico e uma estética ornamental que se aproxima da pintura.

 Estampa neogótica britânica, 1830 - Impressão sobre algodão -  Durante o século XIX, o romantismo inspirou uma onda de revivalismos históricos — e o gótico medieval foi um dos estilos mais revisitados. Essa estampa, com arcos ogivais, rosáceas e colunas estilizadas, é um tributo impresso às catedrais góticas.  Na decoração, esse tipo de padrão evocava espiritualidade, tradição e um desejo nostálgico de conexão com o passado sagrado.

O ornamento estrutural (strapwork) se mistura aos motivos florais, num diálogo entre rigidez e delicadeza — reflexo do ecletismo do período, quando estilos históricos eram recombinados livremente.

Tecido para decoração, Mulhouse, Alsácia, 1869 - Impressão por blocos de madeira. A técnica tradicional de Mulhouse resiste em pleno fim do século, unindo exuberância decorativa com um gosto nostálgico por padrões florais entrelaçados, típicos da estética romântica tardia.

França, 1790 - Delicada estampa floral com repetição simétrica, impressa provavelmente com blocos de madeira. Um exemplo do gosto pré-romântico pela natureza domesticada e idealizada, em cores suaves e composições harmônicas.

Esse retorno ao ornamento foi mais do que uma moda passageira: foi uma marca de classe. A burguesia em ascensão viu na decoração uma chance de se diferenciar, de demonstrar cultura, sensibilidade e sofisticação. Casas, roupas, objetos e interiores foram preenchidos por elementos que comunicavam afeto, tradição e desejo — mesmo que tudo fosse, no fundo, uma construção estética do que se queria parecer.

O ornamento voltou a ser protagonista. Não apenas bonito, mas simbólico. Uma rebeldia sutil contra o mundo limpo, rápido e racional que se instalava — e, ao mesmo tempo, uma maquiagem visual para uma identidade ainda em construção.

Pra quem trabalha com imagem, cor e narrativa, o Romantismo é um prato cheio — e uma armadilha também. Ele mostra que o ornamento não precisa ser inédito para ser impactante: pode citar, homenagear, remixar. Mas também pode maquiar, fingir, encenar. A estética romântica emociona, sim — mas às vezes, emociona justamente pra disfarçar. É aí que mora o truque, e também o fascínio.

Talvez por isso o Romantismo, visto de hoje, pareça meio brega. Com seus exageros, suas poses dramáticas, suas misturas fantasiosas, ele beira o kitsch — essa estética do excesso que nos faz rir, torcer o nariz, ou amar justamente por isso. Mas se olharmos com atenção, o Romantismo já fazia o que o presente aprendeu a valorizar: encenar com liberdade, misturar com ousadia, emocionar com estilo. E nisso, ele foi visionário.

Na próxima parada da nossa série, o ornamento vira ideologia. A gente se encontra no episódio sobre o movimento Arts and Crafts, onde arte, indústria e revolução visual se entrelaçam.

A Evolução do Ornamento — Ep 03 - Neoclassicismo: a elegância contida e o início da repressão ornamental

Este texto faz parte da série A Evolução do Ornamento, em que investigo como diferentes movimentos estéticos, culturais e simbólicos moldaram nossa relação com o gesto de ornamentar — da arquitetura à estamparia, da arte à moda.

Se o Rococó foi o auge da ornamentação sensorial e da extravagância visual, o Neoclassicismo chega como uma reação direta — um puxão de freio estético. Inspirado nas formas "puras" da Antiguidade greco-romana, esse movimento marca o fim dos excessos e o início de um ideal de beleza mais racional, simétrico e contido. É como se a Europa quisesse respirar depois de tantos babados e arabescos. E respirou fundo.

Para entender de verdade essa mudança, a gente precisa olhar para o que estava acontecendo politicamente naquela época. Porque a repressão do ornamento não foi só uma questão de estilo — foi uma estratégia de poder.

A Revolução Francesa derruba a monarquia… mas deixa um vácuo.

O povo se rebela contra o luxo da corte, as injustiças sociais, os impostos e os privilégios da aristocracia. Derruba o rei, corta cabeças… mas aí vem o caos: guerra civil, crise econômica, instabilidade total.

Liberdade sem estrutura, vira medo.

O novo poder quer mostrar que é diferente — mas também precisava ser respeitado. Os novos líderes precisam passar uma imagem de ordem, equilíbrio, moralidade e racionalidade. Napoleão não quer parecer frívolo como os reis, mas também não pode parecer fraco.

A solução é voltar à Antiguidade.

A Roma republicana parecia o símbolo perfeito: austera, ordenada, nobre.

Nada de rococó, nada de instabilidade visual. Agora é tudo proporcional, racional, simbólico — e profundamente militar.

Eles ressuscitam colunas dóricas, proporções matemáticas, linhas retas, togas, simetria. A estética acompanha o projeto político: centralizar o poder, construir uma nação homogênea, controlar o caos da diversidade. Nasce o Neoclassicismo: a estética da razão. E com ele, o começo da contenção ornamental.

O ornamento vira suspeito. Excesso vira crime visual.

Na cabeça deles:

ornamento = luxo = aristocracia = injustiça

simplicidade = razão = república = moral

Nesse cenário, a contenção estética serve ao poder:

• Controla o corpo - com roupas que limitam o movimento e eliminam o excesso

• Controla o espaço - com arquitetura que impõe simetria e monumentalidade

• Controlar o gosto - com valores ditos “universais” de beleza — sempre brancos, europeus, clássicos

  
  

O ornamento é apagado porque ele representa o imprevisível, o sensual, o popular, o não-europeu, o não-controlável. Ele ameaça esse novo ideal de mundo racional e “civilizado”. E assim, o ornamento não desaparece por completo, mas é enquadrado. Passa a ser usado com "função", comedidamente, nos cantos certos.

Só que junto com o luxo… vão embora também a emoção, a diversidade e o afeto.

Na moda, os vestidos passam a lembrar túnicas greco-romanas: cortes retos, tecidos leves, cores neutras. Tudo com uma suposta moralidade, uma sobriedade que nega o corpo.

Na arquitetura, surgem palácios, teatros e edifícios públicos com fachadas simétricas, colunas e cúpulas. Tudo monumental, mas sem extravagância.

Nos interiores, os espaços ganham paletas discretas, ornamentos restritos a filetes e arabescos contidos. A casa passa a ser racionalizada. O gosto popular, desautorizado.

O Neoclassicismo planta a ideia de que a verdadeira beleza é simples, ordenada, sem excessos. Essa ideia se espalha. E é ela que, mais tarde, inspira o modernismo, a Bauhaus e todas as estéticas que combatem o ornamento até hoje.

Entre os nomes que definiram essa nova linguagem estética estão o arquiteto Claude-Nicolas Ledoux, com suas formas geométricas monumentais e simbólicas, e o pintor Jacques-Louis David, que retratava heróis romanos com composições claras, frias e disciplinadas.

Rotunda de La Villette, 1780 por Claude-Nicolas Ledoux

Madame de Verninac (1799), Jacques-Louis David

Em Paris, edifícios como o Panthéon personificam a arquitetura do controle: ordem, simetria e austeridade.

Pantheón, em Paris

No universo da estamparia, o Neoclassicismo traz uma virada estética e técnica. As estampas perdem a exuberância narrativa do século anterior e passam a adotar padrões mais discretos, repetitivos e racionais. Motivos inspirados na Antiguidade, como guirlandas, medalhões e figuras mitológicas, ganham destaque em composições simétricas. O block printing ainda é amplamente utilizado, mas agora a paleta se torna mais contida. Os tecidos priorizam a leveza e a fluidez — como o batiste, o muslin e o voile. As estampas florais, quando presentes, vem em miniatura, com espaçamento regular, refletindo o desejo de ordem e recato. É uma estamparia que não quer chamar atenção, mas sim se integrar de forma discreta a um ideal de harmonia visual.

A contenção do período entretanto não impediu que um novo estilo marcante de estamparia surgisse. O Toile de Jouy, criado na França em 1760, se popularizou durante a era napoleônica. Em vez de grandes flores ou arabescos, ele apresentava cenas bucólicas, mitológicas ou morais — sempre impressas em uma única cor sobre fundo branco. Seu sucesso não vinha só da beleza, mas da narrativa "educada", repetida com elegância. Era o ornamento sob vigilância: controlado, simbólico, moralizado.

Toda essa história nos ajuda a entender como a ideia de beleza foi moldada para servir a um projeto de ordem, poder e contenção. Reconhecer isso é o primeiro passo pra libertar a expressão visual do controle sem alma.