A Evolução do Ornamento - Ep 08 - A nova era da criação

Depois do apogeu do Art Déco, os anos 1940 foram marcados pela Segunda Guerra Mundial, e quando o mundo finalmente começou a se reconstruir, as bases que sustentavam a criação estética já haviam mudado radicalmente. As guerras não foram apenas conflitos políticos e territoriais: elas transformaram as formas de se relacionar, de consumir, de comunicar e, claro, de criar. O ornamento não escapou a esse processo.

A perda da hegemonia estética

Se durante séculos a estética foi conduzida de maneira relativamente centralizada — primeiro pelas cortes monárquicas, depois pela Igreja e mais tarde pelas elites urbanas —, no pós-guerra essa hegemonia se rompeu. A Europa devastada, com cidades destruídas, economias enfraquecidas e milhões de pessoas deslocadas, já não tinha condições de ditar estilos globais. Paris e Viena, que antes estabeleciam padrões estéticos quase como leis, perderam influência.

Em contrapartida, os Estados Unidos emergiram como nova potência econômica e cultural. Nova York, fortalecida pelo capital e pelo crescimento industrial, assumiu protagonismo como centro criativo. Mas, diferentemente de antes, já não existia um único polo capaz de impor padrões universais. A globalização, impulsionada pela imprensa ilustrada, pelo cinema, pelo rádio e depois pela televisão, acelerou a circulação de imagens e ideias. Estilos passaram a se espalhar e se misturar em diferentes lugares, de formas simultâneas e muitas vezes contraditórias.

A separação entre arte e design

Ao mesmo tempo, a industrialização consolidava uma transformação já anunciada desde o movimento Arts & Crafts, iniciado por William Morris no século XIX: a criação passava a ser pensada também como produto. Se antes qualquer expressão estética — um ornamento num vaso, numa fachada ou numa peça de roupa — era entendida como arte, agora surgia uma distinção cada vez mais clara entre arte e design.

A arte se afirmava como campo autônomo, livre de função prática imediata. O design, por sua vez, nascia comprometido com a lógica do consumo, mediando a produção industrial e as necessidades do mercado. A partir desse momento, passamos a ter duas áreas distintas de criação, que nem sempre caminhavam lado a lado.

Onde fica o ornamento?

É nesse ponto que surge a questão central: qual é o papel do ornamento em meio a essa nova configuração?

Antes da separação, bastava a intenção estética para que algo fosse considerado arte. Mas, quando o design se firma como linguagem, o ornamento migra para esse campo. Ele deixa de ser a própria arte e passa a ser o detalhe estético de um objeto funcional.

E aqui está o paradoxo: o ornamento não é exatamente design, porque não acrescenta função prática. Mas também não está ali à toa. Ele é, como podemos dizer, um “contrabando poético” dentro do design: a curva no braço de uma cadeira que não serve para apoiar nada, o estampado que transforma um vestido liso em peça de identidade, o detalhe que não altera a função, mas que comunica, emociona e desperta desejo.

O impacto dessa transformação

Esse deslocamento muda a forma de enxergar o ornamento. Ele deixa de ser apenas expressão artística e passa a se articular também como ferramenta de consumo, carregando significados que vão muito além da função. O ornamento torna o funcional desejável, dá identidade a objetos produzidos em massa e oferece às pessoas um meio de expressão em um mundo que se tornava cada vez mais padronizado pela indústria.

Mas essa nova lógica não se impôs sozinha. A partir do pós-guerra, a pluralidade estética se intensificou. Diversas linguagens passaram a conviver simultaneamente, ora servindo a projetos de contenção — como veremos nos movimentos minimalistas e racionalistas —, ora surgindo como correntes paralelas que mantinham viva a busca por intensidade visual, cor e exuberância.

O que vemos, portanto, é que o pós-guerra marca o início da nova era do ornamento: uma era em que ele deixa de ser ditado de cima para baixo, pelos grandes poderes, e passa a existir no cruzamento entre arte, design e consumo. Nunca mais haveria uma única estética dominante, e o ornamento passa a ser um campo disputado, ora reprimido, ora exaltado, mas sempre presente.

Nos próximos capítulos da série, vamos aprofundar como esses caminhos se desdobraram: de um lado, movimentos que buscaram silenciar a exuberância; de outro, tendências que insistiram em mantê-la viva.

A Evolução do Ornamento - Ep 07 -Art Deco - O primeiro passo do Ornamento rumo a modernidade

O Art Nouveau viveu seu auge entre 1890 e 1910, espalhando-se de forma quase avassaladora pelo mundo. Em apenas duas décadas, a estética das linhas sinuosas, flores e arabescos estava presente em fachadas, móveis, joias, cartazes, tecidos, papéis de parede. Essa difusão não foi um acaso: ela é filha direta da industrialização.

Na era pré-industrial, não havia saturação das estéticas, porque a produção era lenta, artesanal e feita em pequena escala. Mas, com a máquina, a reprodução tornou-se rápida, barata e em série. O que antes era exclusivo tornou-se acessível demais — e, portanto, banalizado.

E quando uma estética se torna “decoração de massa”, a elite cultural logo busca o contrário. Do excesso orgânico do Art Nouveau, nasce o desejo por um ornamento oposto: linhas retas, ângulos duros, padrões geométricos. Não menos ornamentado, mas muito mais disciplinado. É nesse deslocamento que a sementinha do Art Déco é plantada.

Só que em 1914 estourou a Primeira Guerra Mundial. A produção artística estacionou, as indústrias voltaram-se ao esforço militar e os artistas, quando não estavam nas trincheiras, produziam cartazes de propaganda política. A arte não desapareceu, mas ficou suspensa — reduzida a um instrumento funcional. Quando a guerra terminou, em 1918, começou um processo lento de retomada.

Paris, menos devastada que outras capitais europeias, voltou a ser o centro do luxo — um papel que já vinha desempenhando desde o fim do século XIX, quando as grandes exposições universais, como a de 1889 e a de 1900, projetaram a cidade como palco de vanguarda, onde novas estéticas eram apresentadas ao mundo. Mas agora Paris já não se vestia de arabescos. O trauma da guerra não criou, mas reforçou uma estética que já vinha despontando antes dela: menos emoção fluida, mais precisão formal. Era a necessidade de ordem após o caos, que deu força à linguagem nascente das linhas retas, padrões geométricos e ornamentos disciplinados.

Esse estilo ainda não tinha nome. Era uma linguagem em formação, visível sobretudo para quem acompanhava de perto as novidades da moda, da arquitetura e do design em Paris — um público restrito, leitor de revistas especializadas e frequentador assíduo das exposições de artes decorativas.

Nesse período, diferentes acontecimentos ajudaram a fortalecer essa nova estética que já se insinuava. Entre eles, a descoberta da tumba de Tutancâmon, em 1922, que incendiou a imaginação europeia com seu repertório visual: figuras rígidas, símbolos solares, cores vibrantes, uma geometria impregnada de mistério e poder. Esse fascínio pelo Egito Antigo não surgiu isolado, mas serviu como combustível poderoso para uma linguagem que já buscava a precisão, a ordem e o exotismo disciplinado.

Em 1925, essa estética ganhou enfim um palco oficial. A Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, em Paris, apresentou ao mundo a síntese dessa modernidade luxuosa. Foi nesse momento que a linguagem se cristalizou e recebeu o nome pelo qual a conhecemos hoje: Art Déco.

Como o Art Déco se expressou

O Art Déco se espalhou rapidamente por diversas áreas criativas, traduzindo o espírito de modernidade com glamour disciplinado.

Arquitetura: Na arquitetura, se tornou uma linguagem global, reinterpretada em diferentes contextos urbanos e culturais.

Paris foi a vitrine inicial do estilo. Palácios e edifícios erguidos entre os anos 20 e 30, como o Palais de la Porte Dorée (1931) e o Palais de Chaillot (1937), mostraram como a cidade transformou a geometria em monumentalidade. Essa herança consolidou Paris como referência estética antes que o estilo cruzasse o Atlântico e florescesse dos lados de cá.

Nos Estados Unidos, especialmente em Nova York, o estilo encontrou terreno fértil no período do pós-guerra, quando o país emergiu fortalecido econômica e culturalmente. A corrida pelos arranha-céus em Manhattan traduziu esse poder e otimismo, e o movimento pautou a estética de ícones como o Chrysler Building (1930), o Empire State (1931), o Rockefeller Center (1933) e o Daily News Building (1930).

Já em Miami, o Art Déco assumiu outra face. Entre 1920 e 1940, a cidade ergueu o maior conjunto de edifícios do estilo no mundo. Diferente da monumentalidade de Manhattan, aqui ele se espalhou em construções horizontais, com fachadas em tons pastéis (rosa, azul, verde-água) e detalhes náuticos. Até hoje, caminhar pela Ocean Drive é como revisitar os anos 30: a avenida se tornou um ponto turístico célebre justamente por preservar essa versão tropical e lúdica do estilo.

Na América Latina, o Art Déco também deixou sua marca — e no Brasil nos presenteou com um dos nossos maiores tesouros. O Cristo Redentor (1931) é Art Déco. Suas linhas simples e monumentais, erguidas em concreto armado e revestidas de pedra-sabão, transformaram-se não apenas em símbolo nacional, mas em um dos monumentos mais conhecidos do mundo. Em São Paulo, o estilo aparece em marcos como o Edifício Esther (1938) e o histórico Cine Marabá, que ainda hoje preservam o charme da época. Goiânia e Campo Grande também guardam conjuntos arquitetônicos inteiros, onde fachadas geométricas e linhas verticais fazem parte do cotidiano urbano. Mais do que um estilo importado, o Déco foi incorporado ao nosso dia a dia, marcado por monumentos, cinemas e edifícios que continuam a contar a história de uma época de modernidade confiante.

Design e artes decorativas: Nas artes decorativas e no design de interiores, essa estética mais prática e racional se traduziu em materiais e formas. O brilho do cromo, o vidro espelhado e as superfícies laqueadas substituíram a delicadeza floral do passado, transmitindo modernidade com rigor geométrico. Escrivaninhas de linhas retas em madeira nobre, como as célebres peças de Ruhlmann, e as poltronas club de couro compacto se tornaram ícones do período. Eram móveis sólidos, de desenho simples, mas com acabamento luxuoso, que davam às casas e hotéis uma atmosfera de disciplina elegante, onde o luxo ainda estava presente, só que numa versão controlada.

Moda e estamparia: A moda dos anos 20 e 30 foi super transgressora. Coco Chanel foi a grande força de transformação do período e libertou as mulheres dos espartilhos, trazendo cortes mais simples e funcionais, em sintonia com a vida moderna. Essa visão também se refletiu nas estampas. Inspirada nos uniformes da Marinha Francesa, Chanel incorporou as listras ao guarda-roupa feminino, transformando um símbolo rígido e militar em sofisticação urbana. Essa estampa dialogava diretamente com o espírito geométrico do Déco, e o gosto pela repetição ordenada se estendeu a outros padrões, como o chevron e diferentes desenhos gráficos que ganharam os tecidos e os interiores. Esse terreno aberto à geometria vibrante foi o palco perfeito para experiências ousadas de artistas como Sonia Delaunay.

Sonia Delaunay: transformando arte em estampa

Esse terreno aberto à geometria vibrante, somado ao florescimento do cubismo nas artes, foi o palco perfeito para as experiências ousadas de Sonia Delaunay.

Nascida em Odessa e radicada em Paris, Sonia começou como pintora de vanguarda ao lado do marido, Robert, explorando as cores em movimento num estilo batizado de Orfismo. Desde cedo percebeu que o jogo de contrastes e ritmos podia ultrapassar a tela. Em 1911, costurou uma colcha de retalhos para o filho e intuiu que a pintura podia habitar os tecidos do dia a dia. A partir dessa experiência, passou a explorar a arte na superfície têxtil, criando peças que levavam a estética da vanguarda para o cotidiano. Pouco depois, concebeu o célebre Vestido Simultâneo: uma peça em seda colorida, composta por blocos geométricos costurados em faixas de cores contrastantes. Ao ser vestido, o corpo se tornava parte da composição — cada movimento criava novas combinações, como uma pintura em constante mutação. Não era apenas um vestido moderno: era a tradução viva da ideia de simultaneidade que guiava seu trabalho, onde arte e vida se fundiam em ritmo e cor.

Na década de 1910, em Madri, fundou a Casa Sonia, uma loja de roupas, acessórios e objetos decorativos que traziam a mesma linguagem de círculos concêntricos, zigue-zagues e blocos de cor de suas pinturas. Mas foi em 1925, na Exposição Internacional de Paris, que apresentou o Pavilhão Simultané. Ali, Sonia criou um espaço vibrante onde cores e formas geométricas envolviam o visitante em tecidos, mobiliário e objetos. Não era apenas uma mostra de produtos: era uma instalação imersiva que mostrava como sua pesquisa abstrata podia se transformar em linguagem para a moda e para os interiores, colocando a estamparia como verdadeira protagonista da modernidade.

Mais tarde, Sonia colaborou com empresas como a Metz & Co, uma loja de departamentos de Amsterdã conhecida por apostar em design moderno e difundir peças de vanguarda. Lá, forneceu padrões têxteis que ajudaram a espalhar suas criações geométricas pela Europa, alcançando um público que ia além das elites artísticas. Essa parceria mostrou a força de seu trabalho dentro da indústria, consolidando-a como pioneira em unir arte, moda e decoração numa mesma linguagem. Vestidos, lenços, papéis de parede e tapetes passaram a falar a mesma língua — a da cor vibrante organizada em geometria — transformando a vida cotidiana em um campo de experimentação artística.

O legado de Sonia Delaunay está justamente nessa fusão entre arte e estampa. Ela mostrou que padrões geométricos e cores vibrantes podiam vestir corpos e preencher casas com a mesma intensidade de uma tela. Sua obra abriu caminho para que a estamparia fosse reconhecida não como detalhe, mas como linguagem completa da modernidade.

O Art Déco perdurou até o início dos anos 1940 e foi interrompido pela eclosão da Segunda Guerra Mundial. Ao longo de duas décadas, consolidou-se como uma estética global que marcou arquitetura, design, moda e cotidiano com sua disciplina geométrica e seu luxo racionalizado. Sua força foi tanta que, ainda hoje, permanece como um dos estilos mais reconhecíveis e influentes do século XX.

A Evolução do Ornamento - Ep 06 -Art Nouveau, o despertar da forma como expressão autoral

No episódio anterior, falamos sobre William Morris e o movimento Arts and Crafts — uma resposta apaixonada à feiura da industrialização. Morris sonhava com um mundo em que arte e trabalho voltassem a andar juntos. Acreditava que o ornamento precisava ter alma, intenção, ética. Seu traço era simbólico, repetitivo, simétrico, quase moral. Seu ideal era popular, mas sua estética, paradoxalmente, era acessível apenas a poucos. Ele queria salvar a beleza, mas não para vender. Seu ornamento era político.

Pouco tempo depois, essa mesma semente daria origem a algo radicalmente novo.

O Art Nouveau nasceu do mesmo impulso de Morris — o de devolver beleza ao cotidiano —mas seguiu por outro caminho. Ele deixou a gravidade e ganhou leveza. Trocou a simetria pela fluidez. Abriu mão da rigidez moral para abraçar o prazer visual.

A grande ruptura: um estilo próprio, orgânico, emocional.

Pela primeira vez, o ornamento europeu deixava de repetir modelos históricos e passava a inventar sua própria linguagem. As formas não precisavam mais parecer com nada do mundo “real” — podiam simplesmente se inspirar na natureza para criar algo novo. A flor não era mais uma flor. Era uma linha que se curvava como um talo, uma espiral que lembrava um cabelo ao vento, uma folha que virava arabesco.

Essa nova estética apareceu primeiro na arquitetura e no design gráfico — e rapidamente se espalhou por todas as áreas visuais.

Na arquitetura, o belga Victor Horta transformou casas inteiras em organismos vivos. Em sua Maison Tassel (1893), escadas, corrimões e vitrais se entrelaçam como galhos de árvore. Já em Paris, Hector Guimard projetou as famosas entradas do metrô com estruturas de ferro que lembram hastes vegetais brotando do chão. No mesmo espírito, Antonio Gaudí, em Barcelona, criava fachadas ondulantes como ondas e colunas tortas como troncos de árvores — a Casa Batlló (1906) é talvez o exemplo mais delirante da fusão entre arquitetura e ornamento orgânico.

No design gráfico, o tcheco Alphonse Mucha encantou a Europa com seus cartazes sensuais, como os que criou para a atriz Sarah Bernhardt: mulheres de perfil ondulante, cabelos longos como cipós, rodeadas de flores, estrelas e linhas curvas. Era uma nova forma de comunicar — emocional, onírica, sedutora.

O sopro do Oriente: quando a Europa se permitiu aprender

Essa liberdade estética não veio do nada. Ela foi profundamente influenciada pelo Oriente. O japonismo, que invadiu a Europa após a abertura dos portos do Japão em 1854, trouxe novas referências de composição: o uso de planos chapados, contornos marcados, perspectiva não linear e uma valorização do vazio. Gravuras como as de Hokusai e Hiroshige fascinavam os artistas europeus e mudaram a forma como viam a natureza.

Além do Japão, o Art Nouveau também bebeu da arte islâmica e indiana — especialmente nos arabescos contínuos, sem centro, que pareciam crescer infinitamente. Pela primeira vez, a Europa assumiu publicamente essas influências — não como cópia envergonhada, mas como inspiração estética legítima. E foi justamente esse contato com o “outro” que abriu espaço para romper com sua própria rigidez formal.

A luz elétrica e a sensualidade da vida urbana

Esse novo vocabulário visual encontrou um cenário perfeito para florescer: a cidade elétrica.

Com a chegada da energia elétrica, a noite passou a ser vivida de forma inédita. Os cabarés se iluminavam, os cafés-concerto ganhavam vida, as vitrines viravam espetáculo. A nova burguesia urbana queria prazer, beleza, desejo.

O corpo feminino, nesse contexto, virou símbolo visual desse novo mundo: sedutor, elegante, noturno. Toulouse-Lautrec, em seus cartazes para o Moulin Rouge, capturou esse universo com traços nervosos e figuras sensuais em movimento. Era o nascimento da estética da performance — e o Art Nouveau era sua pele gráfica.

O consumo como espetáculo: o ornamento entra no mercado

Enquanto a cidade ganhava luz e movimento, a Revolução Industrial já havia criado um novo cenário: produtos feitos em série, concorrência crescente e consumidores com poder de escolha.

Com isso, o visual dos objetos passou a ser decisivo.

Não bastava mais ter um bom produto — era preciso encantar o olhar.

O Art Nouveau, com sua estética sedutora, orgânica e emocional, entrou nesse espaço como uma luva.

• Uma embalagem com curvas elegantes vendia mais que uma comum.

• Um cartaz com linhas fluidas atraía mais público.

• Um frasco de perfume com tampa de flor dizia mais do que qualquer texto.

  
  

O ornamento se transformou em linguagem de desejo.

E o design — especialmente o gráfico e o de produto — passou a ser visto como estratégia comercial.

Essa é uma das maiores viradas que o Art Nouveau representa:

ele é o momento em que o ornamento entra no mercado moderno sem perder seu encanto.

Pelo contrário — é ali que ele descobre sua nova força.

A estampa como linguagem viva

Na moda, o Art Nouveau trouxe uma revolução silenciosa.

As roupas ganharam leveza, com tecidos que fluíam pelo corpo como se fossem extensões da natureza: sedas, musselines, gazes. Bordados e aplicações não seguiam mais padrões simétricos, mas cresciam como vinhas — subindo pelas mangas, abraçando os quadris, rodeando o colo.

Na estamparia, os padrões se tornaram orgânicos, assimétricos, contínuos. As flores não eram mais florzinhas repetidas em quadriculado: eram composições que pareciam fluir pelo tecido sem começo nem fim.

A técnica de impressão com cilindros de cobre permitiu linhas finas, detalhadas, elegantes. Isso abriu novas possibilidades para a aplicação do ornamento — mais livre, mais gráfica, mais narrativa.

A estética total: o mundo como superfície ornamental

O Art Nouveau se espalhou como uma onda visual por todos os campos:

Pela primeira vez, a ideia de que tudo pode ser arte ganhou corpo com coerência estética. A beleza invadiu os espaços do dia a dia, transformando casas, objetos e cidades em extensões da linguagem ornamental.

No design de interiores, os ambientes passaram a ser pensados como um todo coeso e fluido. As paredes deixaram de ser neutras e ganharam curvas, relevos, papéis de parede com motivos orgânicos. Escadas se tornaram espirais vivas. Portas e janelas ganharam contornos em ferro ou madeira inspirados em caules e folhas. O ornamento já não era aplicado — ele parecia crescer das superfícies.

Na marcenaria e nos móveis, as linhas retas foram substituídas por curvas contínuas. As cadeiras, mesas e aparadores se curvavam como se tivessem coluna vertebral e articulações, dando uma sensação quase corporal às peças. As ferragens e puxadores, antes utilitários, agora eram formas esculturais integradas à composição.

Nos vitrais e objetos de vidro, a cor e a luz se tornaram parte ativa da decoração. Vidros tingidos com tons suaves filtravam a luz natural e criavam atmosferas oníricas. As composições lembravam jardins em transparência, com flores, folhas e figuras femininas envoltas em arabescos delicados.

Nos objetos utilitários, como talheres, luminárias, garrafas ou espelhos, o ornamento não era um detalhe: era a forma. Um espelho não era só um reflexo, mas uma moldura de videiras. Um abajur não era apenas iluminação, mas uma escultura de luz e cor. Até uma escova de cabelo ou um tinteiro podiam carregar curvas elegantes, linhas sinuosas, relevos em forma de libélula.

O Art Nouveau fez o mundo parecer cuidadosamente sonhado.

Não havia separação entre arte e função, entre objeto e poesia.

Era a realização do sonho de Morris, mas com uma linguagem muito mais livre, sensual e moderna.

A GRANDE VIRADA

O Art Nouveau marcou uma ruptura real na história do ornamento.

Foi o primeiro movimento europeu a criar uma linguagem estética não baseada na repetição do passado, mas na expressão estilizada da natureza e do desejo.E mais: foi também o primeiro a nascer já dialogando com a reprodução em série.

Seus traços orgânicos, suas curvas emocionais, suas composições envolventes foram pensadas para circularem pelo mundo moderno: nas vitrines, nas estampas, nos cartazes, nas ruas.

Enquanto o romantismo ainda sonhava com a era pré-industrial, o Art Nouveau assumiu o presente — e o transformou com beleza.

Essa transformação só foi possível porque a Europa, pela primeira vez, abriu os olhos para o Oriente, onde o ornamento já era, há séculos, linguagem gráfica viva, livre e fluida.

A partir daí, o ornamento deixou de ser só memória ou enfeite. Ele passou a ser expressão contemporânea — capaz de envolver, comunicar e emocionar.

E essa liberdade de representação estética mudou o rumo do design.

No próximo episódio, vamos ver o que acontece quando essa liberdade começa a ser tensionada — e a vontade de controlar a forma volta à superfície.